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    音程は階段か?
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       ** テーマは「歌の正体」です ** 

      リズムの次に、音程についてお話ししたいと思います。 

      レッスン中の発声練習で感じるのは、みなさんにとっての音階のイメージとは、「階段」のようなものかもしれない、ということです。これは、音の違いを段のようにとらえる、という意味だけではなく、人間が足で階段を上り下りするときの動き、つまり、「上がりの体重移動はゆっくりと慎重で、下りのそれは大ざっぱになる」のと似ている、ということでもあります。  

      発声練習は大抵、ある音階を上がって下りる、というパターンで声を出します。たとえば、「ドレミファソ」と上がったら、「(ソ)ファミレド」と下りるわけです。この場合、当然、行きも帰りも同じ音程を維持しなければならないのですが、なぜか、上りはうまくいくのに、下りてくるときの音程が不安定になる人が多いのです。たぶん、「下がる」という意識が大きすぎるのが原因だと思われますが、果たして、音程をイメージするとき、この「上・下」の感覚は本当に必要でしょうか? 

      もちろん、耳に聞こえてくる音には「高・低」があります(ちなみに「上・下」は音の「高・低」を移動すること、具体的には「低いドから高いソに上がる」とか「高いファから低いレに下がる」という意味で使っています)。楽器などを見ても、特に、高い音だから実際に高い位置に弦やキーがある、という作りになっているとは思いません(管楽器の場合、そうなっていると言えないこともありませんが、縦のものを横にした楽器(たとえばフルート)が存在することから考えれば、あれは高さというより長さの問題(口から近いほうが高い音)と考えたほうがよさそうです)。 

      むしろ、楽器の場合、弦やキーが低から高(あるいは高から低)へと並んだ作りになっている気がします。つまり、音階は段を上下するというより、もっと音がスムーズにつながるような工夫がなされているのではないでしょうか。 

      声の場合は、イメージの持ち方が間違っていると、それが直接、音程の乱れを引き起こします。たとえば、音の高低につられて、自分自身も上下するような感覚を持ってしまう、つまり「上に持ち上げなきゃ」とか「下に降ろさなきゃ」というような、「体と連動した感覚」を持ちながら音階を歌ってしまうと、音程がコントロールできなくなってしまうのです。そして、「持ち上げよう」と思うときは、高さをセーブする気持ちが生まれるのか、慎重に歌うのに、「降ろす」ほうは、まるで重力の法則に従うかのように、どさっと落としてしまう――という不思議な現象が起こるのです。 

      ここでちょっと、アカペラでいいですから、「ドレミファソファミレド」と歌ってみてください。上がるときより下がってくるほうが苦手だと思う人は、 音の高低をもっともっと「平ら」にイメージしてみましょう。たとえば、ピアノのように、横に水平移動するイメージです。高低の「差」に注目せずに、音程そのものを耳でよく聴いて、微調整しながらゆっくり歌ってください。 

      上りの音階「ドレミファソ」が正しく歌えるとすれば、それは、自分の持っている音階のイメージと、出す声が一致しているからです。そして「(ソ)ファミレド」が怪しくなるのであれば、音のイメージが間違っているか、イメージどおりに歌えないかのどちらかでしょう。 

      もう一度、今度は「ドレミファソ」の上りだけを、音程の修正に努めながら、ゆっくり歌ってみてください。ここでは、耳を主役にして、聴覚をよく使いながら軽めに声を出すのがコツです。肝心なのは「感覚の修正」ですから、何となく歌えても力がつきませんので、厳しく判断してください。

       「ドレミファソ」が歌えたら、今度はゆっくり「(ソ)ファミ」まで返ってきます。一音ずつ、来た道をたどるように、前の音の残響をうつしとるように、幅を修正しながら声を出すのです。「ドレミファソ」を逆から読む練習だと思ってやってみるのも、効果があるかもしれません。修正ができたら、次は「(ソ)ファミレ」です。一音ずつ増やして「ドレミファソファミレド」を完成させましょう。 

      歌うときに肝心なのは、音のイメージを保つことと、耳で調整することです。「ドレミファソ」が歌えるのに「(ソ)ファミレド」を歌うと音が乱れる、という状況が起こるのは、主に、耳の調整力が弱いためです。耳の調整は自分で克服すべき課題ですから、とにかく注意深く聴きながら歌うクセをつけましょう。口笛の練習も、音程を調整する感覚を身に付ける上で効果がありますので、ぜひやってみてください。


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      | 歌の正体 | 13:04 | comments(2) | trackbacks(0) | pookmark |
      文字のこと
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         JUGEMさんのエディタ機能が変わってから、こちらがあまり要領を得ていないせいか、文字の大きさ等、旧い記事と新しい記事でバラツキがでてしまいました。申し訳ありません。

        さらに、テンプレートのほうも調子が良くないようで、ストライプが表示されなくなってしまいましたので、この際、気分転換もかねて…ということで、新しいものに変えてみました。

        読みにくいこともあるかと思いますが、何卒ご了承くださいませ。


        | - | 13:00 | comments(0) | trackbacks(0) | pookmark |
        リズムの取り方 その4
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          * * 今月テーマは「歌の正体」です * *

           

          「リズムの取り方」では、目に見える形でリズムを修正する方法――紙に書いた図形をなぞりながら歌う――についてご紹介しました。今回は、その応用編です。

           

          これまで、図形と言えば正三角形や正方形を指し、長さが同じ線の上を、機械のように正確になぞることでリズムがキープされること、また図形の大小によって、曲想やスピード感に変化がつくことなどを、体感されたことと思います。

           

          ただ、これはあくまでリズムの基本を認識する方法であって、表現の領域に踏み込むものではありません。表現というのは多様ですから、単純な形をなぞるくらいでは身につかないし、そもそも、リズムは目に見えるものではありません。図形はあくまでイメージです。つまり、この話には先があるのです。

           

          では、複雑な領域に踏み込むべく、リズムを少し違う方法で捉えてみましょう。ここでも、三拍子を例にとってご説明します(「こいのぼり」なんて、例としてどうなの?という方は、頭の中でジャズのアレンジなどに転換してくださいね。もちろん他の曲でも、三拍子ならOK)。

           

          まず、紙の上にランダムに点を三つ描きます。次に、その点を線で結ぶのですが、今回は直線でなくてかまいません。線の種類が三本ともばらばら――たとえば、ギザギザの線と波線と直線の組み合わせ――にしてみましょう。さて、どんな形が出来たでしょうか。辺の長さも違えば、線の種類もばらばらの「とうてい三角形とは呼べない図形」ができましたか?

           

          では、ゆっくりと指でなぞってみましょう。形状も長さも違う線ですが、A点からB点、B点からC点、C点からA点と、同じタイミングで次の点にたどり着かねばならないルールはこれまでと一緒です。たとえば、移動時間を一秒と決めたら、どれも一秒で次の点に辿りつくように指を動かすわけです。「いち、に、さん、いち、に、さん」と声をかけながら、なぞってみてください。正三角形のときとはずいぶん違う感覚で、三拍子を体感したのではないでしょうか? 指の動きがパーカッション的になり、思わぬところにアクセントが付いたりして、その状態で「こいのぼり」を口ずさめば、斬新な曲に生まれ変わるはずです。

           

          ここで言いたいのは、結局、リズムを考えるときに機能するのは、「いち、に、さん」という時間を刻む時計(ここでは点)だけだということです。そして、その間を埋めるもの(ここでは線)には無数のバリエーションがあり、それが表現の根幹をなすということです。たとえば、なめらかな表現の場合、当然、動きも曲線的になります。そういうときは、通過点さえはっきりしていれば、無理に角のある図形をイメージする必要はなく、円をイメージしてもいい、ということです。

           

          自分の弱点はリズム、と自覚している方は、基本を理解するところに時間を割きましょう。規則的な動きを体に入れてから、こういうバリエーションに慣れることが大事です。その逆はありません。基本が抜けていると、「なんとなくそんな感じ」のノリしか出ないので、バンドなどのアンサンブルがうまくいきません。リズムは外国語と同じで、その言葉が話せないと、他人と自由な会話(バンドやセッション)が交わせないからです。

           

          西洋的なリズムは、日本人にとってなかなか手強いものの一つです。それは、プロ・アマに限らず、常に磨かなければならない要素でもあります。他にも留意点があるのですが、この先も長いので、ひとまずここで終わります。今後も、機会があれば、他のテーマに織りまぜてお話ししていこうと思いますので、お楽しみに。



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          | 歌の正体 | 17:22 | comments(0) | trackbacks(0) | pookmark |
          リズムの取り方 その3
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            * * 今月のテーマは「歌の正体」です * *

            前回は、「歌いながら三角形をなぞるときは、一つ一つ、常に新しい気持ちでなぞらなければならない」というお話をしました(リズムの取り方その1&2を参照)。今回は、さらに一歩進んでお話しします。

            この、三拍子なら三角形、四拍子なら四角形を紙に書いてリズムの基本を視覚化し、歌いながら一定のペースでなぞることでリズムを体感する、という行為は、言ってみれば、空中に細い棒でリズムを生み出す指揮者を真似ることでもあります。

            しかし、指揮者はメトロノームではありませんから、テンポどうりに規則正しい動きをすればよいというものでもありません。たとえば同じ曲でも、指揮者の腕の振りが大きくなれば、そこは当然スピード感やダイナミックな音量表現を伴う場面だったりしますし、逆に腕の振りが小さくなったり、小刻みになったりすれば、繊細な表現を要求する場面であると感じ取ることができるわけです。

            試しに、どんな曲でもいいですから、歌いながら腕の振りを極端に大きくしたり小さくしたりして指揮をしてみましょう。同じ曲でも運動量が変ると、「こんなに?」と思うほど違う感じがするのではないでしょうか。

            さらに、これまで例にとってきた三拍子の童謡「こいのぼり」を、前回よりも大きな三角形と小さな三角形を紙に書いて、以前と同じテンポで歌いながら、それぞれなぞってみましょう。同じ時間内になぞる距離が伸びれば、その分指を早く動かさなければなりませんし、短くなれば、ゆったり動かす必要があることが理解できると思います。また、体の動きに連動して声量や表情などが自然に変わってくるはずです。

            このように、曲というのは、アップテンポやスローなどの速さの設定だけでなく、たとえばそこにどんな形や大きさ(さらに色や温度など何でもOK)を想定するかによって、さらに曲のバリエーションが生まれ、表現が多彩になるわけです。

            考えてみれば、曲はそれぞれ雰囲気や気分を持っているわけですから、テンポをキープするだけで足りるものではありません。しかし、この「速さ」と「気分」をきっちり分けて考えることが重要なのです。いってみればそれが音楽表現のツボの一つであり、そこを押さえることによってさらにリズムの理解が進み、表現を自在にコントロールすることが可能になってくるのです。

            ちょっと難しい話になりましたが、みなさんもギブアップする前に、指揮者の真似など簡単なところから実感を積み重ねてください。うまくイメージできれば、意外に単純なことばかりですよ。




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            | 歌の正体 | 12:24 | comments(1) | trackbacks(0) | pookmark |
            リズムの取り方 その2
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              * * 今月のテーマは「歌の正体」です * *

              前回お話しした「紙に書いた三角形をなぞりながら歌う」トレーニングの続きです。

              さて、このブログのテーマのひとつに「脳内改造」というのがあります。これは、音楽においては、同じ動作でも、何かを意識しながらするのとしないのでは、出てくる音が違ってくることを踏まえ、まずは司令塔となる「頭の中」を変えることで、歌も変えていこうという発想です。簡単に言うと、監督が変わるとチームも変わる、ということでしょうか。

              前回の「紙に書いた三角形」の場合も、音楽的な脳を持つ人とそうでない人では、残念ながら、結果に差がついてしまいます。というのも、この方法は、正三角形をなぞることで、三拍子をリアルに感じながら歌うことができる仕掛けなのですが、実のところ、ただ漫然となぞるだけでは、タイミングを合わせることしかできないからです。

              三拍子の童謡『こいのぼり』を例にとり、その差について説明してみましょう。三角形を指でなぞりながら、この曲をワンコーラス歌うと、三角形を16回書くことになります。こんな短い歌でさえ、同じ動作を16回もくり返すわけです。長い歌になれば当然、その回数は飛躍的に増えていきます。そして、この「くり返す」という動作のなかに、ひとつ目の分かれ道が隠れているのです。

              それはズバリ、「惰性」の問題です。人間は同じ動作を続けていると、どうしても動きが惰性的になって、どんどん緊張感がなくなってきますよね。そうなると当然、リズムの切れも悪くなってきます。しかし、音楽は基本的にそういう惰性を許さないし、常に新鮮な気持ちで同じ動作をくりかえすことを要求するものなのです。つまり、三角形を書き続ける、ということではなく、一個一個新たな気持ちで書いた結果が◯個になる、という考え方を要求するのです。そうやって、曲の緊張感を保つわけですね。

              「くり返し」よりも「一回(ごとの積み重ね)」に重きを置く、このニュアンスの差を意識してみましょう。リズムがイキイキしてくるだけでなく、テンポのキープも容易になってくるはずです。



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              | 歌の正体 | 12:39 | comments(1) | trackbacks(0) | pookmark |
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